NEWSFLASH : vente aux enchères

Un portraitiste opiniâtre

James Ensor n’appréciait pas particulièrement le genre du portrait. Il préférait se peindre lui-même, son propre génie et son ego de grand maître. Toute personne qui se fait dépeindre espère que le résultat sera une version idéalisée de soi et que le peintre couvrira tous les défauts de la nature. Les filtres Instagram sont de tout temps. Rien de tout cela par contre pour James Ensor, qui prenait trop de plaisir à mettre en avant les traits les moins flatteurs de son modèle.

La dame en bleu est assise un peu perdue dans une chaise trop grande, dans une robe trop grande. Du nuage de dentelle et de tulle émergent un tout petit pied et deux mains osseuses. La femme frêle tient bon, la tête haute. La volonté est là, mais son regard a perdu sa concentration dans une vie déjà vécue – il ne reste plus qu’à purger cette séance de pose.

Au fur et à mesure qu'elle disparaît dans l'éternité, la dame est absorbée par l’horror vacui de la chambre, comme si elle devint l’un des nombreux bibelots qui ornent le décor. Ensor ne lui accorde guère plus d'attention qu’au lambris ou au rideau. Les accessoires sont clairs : un oiseau en cage pour la limitation de la mobilité et de la joie de vivre, des fleurs cueillies pour la finitude de la beauté. Bientôt, ils faneront.

Le portrait a été créé en 1906, lorsque la carrière d'Ensor était à son apogée. En 1903, il fut également nommé Chevalier de l'Ordre de Léopold. Maintenant que le grand maître avait acquis renommée et succès, être peint par lui était une plus-value pour ceux qui pouvaient se le permettre. La personne représentée ainsi acquérait une place dans l'entourage du célèbre Ensor. Même s'il embellissait le portrait avec une bonne dose d'ironie.

Accès à une autre dimension

Les œuvres d'art bizarres de Frits Van den Berghe sont difficiles à décrire, et le moins que l'on puisse dire à propos de son œuvre est qu'elle ne peut être classée sous un dénominateur homogène. L'artiste couvre un large éventail de sujets, de formes et d’ismes. Une pensée centrale revient souvent dans l'œuvre tardive de Van den Berghe : la finitude de l'homme. Il est soumis au cycle de la vie et de la mort, essayant de trouver sa place toujours en flottant entre eros et thanatos. Les tensions intérieures, et la variété de sentiments qui y sont associés, sont les sujets que Van den Berghe représente.

« Masque et nu » (1931) dépeint une femme qui est au centre de la composition. Nue, chauve, dans la couleur de terre rouge, elle n'est assise sur rien. Dépourvue de tout mondain, elle incarne un archétype qui contient la nature primitive et existentielle de l'être humain. Elle est confrontée à un masque de texture rocheuse dans les tons marron, noir et vert. Le duo se démarque sur le fond doré, indéfini.

Avec sa proportion extraordinaire, le masque renvoie à une autre dimension. C'est un symbole culte au statut sacré qui joue un rôle important dans les rites de passage et accorde au porteur l’accès à son énergie la plus instinctive. C'est une passerelle entre l'humain et le divin, entre le monde des vivants et celui des morts. Le masque révèle des similitudes avec la physionomie de Van den Berghe. La ressemblance exacte n'a pas d'importance. Il s’agit d’un autoportrait psychologique dans lequel les peurs existentielles telles que la solitude, l'aliénation et l'incapacité à aimer sont présentes, mais aussi les impulsions et les passions.

Le cavalier éternel

« Pour moi, concevoir une forme, c'est percevoir une couleur - une vision de couleur, un désir de vie, un désir de forme. Le point de départ de chaque idée censé de devenir réalité, je l’ai cherché dans la couleur. Peindre, c'est se positionner dans la poésie de l'action ; et l'action dans l'événement devient véritable. »

Marino Marini a voulu créer des images mythiques. Dans son langage formel, il s'est inspiré de l'art archaïque tel que le grec et l'étrusque. Son motif par excellence est celui du cavalier à cheval, archétype qu'il réinterprète à la lumière des idées et des théories contemporaines. Il considérait le cheval et le cavalier comme la représentation de la relation entre l'homme et la nature à travers le temps.

Au départ, le style de Marini est plus figuratif, mais à la fin des années 1940, ses coups de pinceau reflètent sa rencontre récente avec l'expressionnisme abstrait de New York, où il expose pour la première fois en 1950. Au fur et à mesure que son style devient de plus en plus expressif, l'artiste semble de moins en moins capable à maîtriser le cheval. L'animal veut s'arracher à son langage formel.

C’est une évolution formelle et substantielle qui se révèle de manière magnifique dans « Cavallo e Cavaliere », daté 1954. Le cheval se cabre, le cavalier est désespéré et lève les bras au ciel. Le chaos noir est évoqué que par quelques fines rayures dans la tempera noire. Les têtes des personnages sont agrémentées de touches écarlates qui complètent l'agitation. Un cadre bleu dramatique enveloppe la scène avec des coups de pinceau grossiers, contrastant avec les lignes subtiles des personnages.

Le chaos général, la tonalité sombre et la composition vibrante sont typiques de cette période dans l'œuvre de Marini. L’angoisse et l’effroi jouent le rôle dominant. La lutte entre le cheval et le cavalier symbolise la condition humaine et exprime la peur de Marini du déclin moral - un sentiment ressenti par toute une génération d'artistes au lendemain de la Seconde Guerre mondiale.